Décimo aniversario de la web y el foro de Tamborileros.com

¡Diez años ya! Diez años es casi un siglo si hablamos de internet. Diez años de nuevos amigos de aquí y de allá. Diez años de satisfacciones al saber que muchos han empezado a conocer y tocar flauta y tamboril navegando e informándose en la web. O que a través de ella y su foro han conocido a alguien de la otra punta del país, o del país vecino, o del de más allá... y que han quedado para pasar un buen rato y tocar, hablar, comer, beber... O que navegando descubrieron con satisfacción que eso tan extraño de tocar a la vez una flauta y un tamboril no solo se hacía en su pueblo, en su comarca, en su región, en su país, sino que hay muchos otros lugares donde la tradición sigue.

¡Diez años ya! A lo que empezó como una pequeña web sobre un "pequeño" instrumento, se le sumó un foro que fue creciendo poco a poco y convirtiéndose gracias a todos vosotros, los amantes de la flauta y el tamboril y su música, en un punto de encuentro virtual que día tras día nos abre a todos los ojos y los oídos a otros mundos musicales desconocidos con algo en común: una flauta y un tambor. Gracias a todos los que habéis apoyado con vuestra participación el desarrollo de la web y el foro, pues sin ese apoyo no hubiese llegado a ser la referencia que es ni hubiese durado tanto tiempo en la red, donde todo cambia tan rápido.

No tengo duda alguna de que antes o después ocurriría, con o sin www.tamborileros. com, pues la red y su potencial son algo imparable, pero un poco egoístamente me siento satisfecho de haber creado un punto de encuentro que nos une, porque la razón final es que estos instrumentos se lo merecen y necesitan de todo nuestro cariño y apoyo. Unos instrumentos que al menos desde hace siete siglos se han mantenido vivos y siguen con nosotros. ¡Y lo que les queda!

Personalmente yo no me considero un tamborilero "auténtico", como sois la inmensa mayoría de los que hacéis de la flauta y el tamboril un arte indispensable en cada una de las zonas donde este instrumento goza de una gran raigambre. Tampoco tengo muy claro a que tradición de flauta y tamboril pertenezco aunque mis orígenes cacereños y su influencia pesen bastante, pero el nacer y vivir en Madrid recibiendo diversos estímulos musicales me ha conducido por distintas formas de interpretar, buscar y ver la música de flauta y tamboril sin centrarme en una zona o en un solo instrumento. "Quien mucho abarca, poco aprieta" dice el refrán, y quizá sea una especie de "tamborilero sin tierra", pero mi debilidad es que soy demasiado curioso como (aprendiz de) músico. Lo que os puedo asegurar es que a través de www.tamborileros. com y con toda humildad ya me siento un pequeño eslabón y parte integrante de la transmisión y conservación de un Conocimiento Antiguo, de los pocos que todavía nos quedan en estos días de fugacidad cultural y globalización homogeneizadora.

Para acabar esta nota de aniversario, quiero dar las gracias a los Maestros de cada tradición específica de flauta y tamboril, pues a través de vuestras enseñanzas, ya sea en las escuelas o particularmente, seguís transmitiendo en vivo lo que nos dejaron nuestros antepasados generación tras generación de forma oral. A vuestra disposición,

Juanma Sánchez - Madrid
http://www.tamborileros.com
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Berrogüetto - Un grito que se expande

Fernando Neira. El País (02/01/2011)

Al final todos terminamos encontrándonos con nuestra particular magdalena de Proust. Muchos de los siete integrantes de Berrogüetto percibieron ese inconfundible aroma del tiempo pretérito hace algo más de dos semanas, durante el tradicional concierto de Navidad de la Universidad de Vigo, cuando nueve cantareiras de Cantigas e Agarimos irrumpieron, sonrientes y esplendorosas con sus trajes de encaje, sobre las tablas del viejo teatro García Barbón. Imposible que aquella estampa no se les entremezclase en la memoria con la de otra noche mítica, en ese mismo lugar pero quince años atrás, cuando presentaban los temas que conformaban su álbum inaugural, Navicularia. Entonces también hubo cantareiras, sonidos de la tierra, una platea entregada y una interpretación de O mandil que terminó con el público en pie.

"Ha sido bonito recordarlo, sobre todo porque en aquel concierto iniciático hubo, podríamos decir, mucha química", recapacita con una cerveza en la mano y algo más que retranca Quim Farinha, el violinista de la banda. Las miradas se dirigen entonces al acordeonista del grupo, Santiago Cribeiro, que ha captado la indirecta y duda entre hacerse el enfadadizo o, simplemente, enrojecer. En efecto, una de aquellas airosas muchachas con pandereta que participó en el concierto de 1996 es hoy su compañera y madre de dos churumbeles; los únicos vástagos, de momento, de la familia Berrogüetto. Por poco tiempo: Quico Comesaña (buzuki y arpa céltica) ha querido ponerse al día y espera gemelos para la primavera.

Una noche de cañas y un posterior desayuno con los integrantes del septeto dan para unas cuantas batallitas, pero estos siete cordiales emisarios de la música tradicional gallega pugnan por eludir la siempre tentadora nostalgia. Surgen historias de tiempos precarios, de bolos en locales recónditos por apenas 100.000 pesetas, de furgonetas en las que era imposible no acabar con las posaderas derrengadas.

Pero las conversaciones se conjugan mejor en tiempo futuro. "2010 ha sido un buen año, en términos creativos y de supervivencia, y eso ayuda a mirar hacia adelante", resume Cribeiro. Y el percusionista Isaac Palacín, siempre expresivo, apuntala: "Berrogüetto es un proyecto lo bastante ilusionante como para que soñemos con jubilarnos en el seno de esta banda. Nos apreciamos, nos conocemos, nos hemos visto muchas mañanas con las legañas en los ojos, toleramos las peculiaridades de cada cual. Y fundar un nuevo grupo desde cero resulta agotador. Ya lo comprobamos cuando se disolvió Matto Congrio y yo no estoy dispuesto a revivir esa experiencia".

¿Matto Congrio? Uf, vaya que si llovió. Algunos lo consideran el grupo seminal en la eclosión que la música tradicional gallega experimentó durante la década de los noventa. Allí coincidieron muchos de los actuales berrogüettos con otro personaje muy ilustre, Carlos Núñez. "Aquella fue una banda de un solo disco, seguramente sobrevalorada por los cronistas musicales", ha mencionado en alguna ocasión el gaiteiro vigués. Pero, a fin de cuentas, fue el vivero del que surgieron nuestro solista más internacional y el grupo que más elogios ha suscitado durante estos tres últimos lustros.

Porque Berrogüetto cumple en este 2011, precisamente, sus primeros quince años de historia. Y la criatura parece gozar de espléndida salud. La temporada se presenta ilusionante porque será testigo de la publicación de un DVD con el concierto que el grupo ofreció el 13 de noviembre en el Auditorio de Galicia compostelano. Ocho cámaras de TVG registraron cada detalle de la velada, así que la edición se intuye prometedora. Pero, sobre todo, el año nuevo supondrá el primer gran asalto al mercado americano, con giras ya confirmadas por México y Canadá y la posibilidad de que a la hoja de ruta también se incorpore Brasil.

"La expansión al otro lado del Atlántico supone ahora nuestro reto natural", reflexiona el siempre locuaz y polifacético Anxo Pintos -zanfona, gaitas, saxos, violines- en un extremo de su sofá. "Las posibilidades de crecer en el resto de la península son las que son: limitadas. Tantos años después, siguen existiendo suspicacias y una cierta hostilidad entre una parte del público. Cuando actuamos en Madrid, los propios periodistas nos dan a entender que un grupo con canciones en gallego es sospechoso de nacionalismo. Puede que de nacionalismo radical con aspiraciones separatistas..."

Su media sonrisa es irónica, pero también una pizca amarga. Lo cierto es que la reciente quinta entrega discográfica de la banda, Kosmogonías, ha despachado casi 4.500 ejemplares -una cifra muy honrosa en estos tiempos de ventas desmoronadas-, pero solo un 20% de ellas son de más allá del telón de grelos. "De ahí nuestra ilusión por abrir el abanico y expandirnos. Y, además, de propiciar colaboraciones con artistas afines". El concierto del 15 de diciembre en el ahora teatro Novacaixagalicia fue un buen ejemplo en esa dirección. Berrogüetto compartió casi media hora de concierto con la cantante zaragozana Carmen París, que se atrevió con el gallego en tres piezas. "Ha sido una experiencia preciosa", repetía la jotera. Entre unos y otros, la conjura es firme: a lo largo de todo este 2011, ese grito del pueblo que da nombre al grupo ha de resultar bien audible desde cualquier confín. Salvando mares, océanos, achuchones financieros y todo cuanto se interponga.

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Antón Corral

El nombre de Antón Corral forma parte ya de la historia musical de Galicia y se trata de una de las personas más importantes en el campo de la experimentación instrumental de la música gallega. Trabajador incansable, fue el padre del "Obradoiro Escola de Instrumentos Populares de Vigo", donde realizó una labor titánica como maestro-artesano hasta el año 2000 y también creador de la banda de gaitas Xarabal en 1984, de la que fue director hasta el año 2008. Ahora, ya retirado, todavía sigue dedicándose a la construcción de gaitas en su taller de Tui, con la misma ilusión, entusiasmo y ganas de innovar y crear cosas nueva que cuando empezó, allá por 1974.

"En mi familia no había músicos ni artesanos. Aprendí mi oficio de manera totalmente autodidacta porque me gustaba hacer palletas y flautas". A este oficio llegó debido a sus problemas de salud, ya que se recorría España como agente comercial y el médico le recomendó buscarse algún trabajo más relajado. "Así que monté un taller de artesanía en mi casa". En 1982 realizó una exposición en Vigo con su colección particular de zanfonas y gaitas. La muestra tuvo tanto éxito que le ofrecieron trabajar en la escuela de Artes y Oficios de Vigo. "Acepté la propuesta y me instalé en la ciudad junto a otros compañeros que también trabajaron en este centro".

De Antón Corral y sus colaboradores nació la idea de crear un Grupo Didáctico Musical en 1983 con la intención de divulgar los intrumentos musicales populares gallegos, motivado por el gran desconocimiento que de ellos existía, en cuanto a sus características musicales como de aspectos relativos a su construcción y otras peculiaridades.

El trabajo del grupo que hasta aquel entonces se centraba en una propuesta didáctico-musical se dirigía a los colegios y a las asociaciones culturales, transmitiendo mediante actuaciones en directo las actividades desarrolladas en el taller de construcción de gaitas de la "Universidad Popular de Vigo". En sus actuaciones demostraban la gran riqueza y vesatilidad de la música tradicional gallega. El público podía disfrutar de los sonidos de la zanfona, requintas, una gran varidedad de instrumentos de percusión, gaitas con afinaciones diferentes, actuaciones de gaita y piano, conciertos de cámara, etc.

Entre sus componentes destacan nombres como: Carlos Corral, Carlos Núñez, Ramón Casal, Tiano Labraña, Xosé Carlos Villar "Bouza", Francisco Estévez "Chuco" o Anxo Pintos y siempre apoyados por su padrino de lujo, el histórico gaitero Ricardo Portela.

Paralelamente, en 1984 nace bajo su dirección la banda de gaitas Xarabal, como una actividad más del "Obradoiro Escola de Instrumentos Musicais Populares Galegos" de la Universidad Popular de Vigo, con la intención, no sólo de potenciar y expandir la música popular gallega, sino de realizar un trabajo serio sobre la técnica de gaita y percusión, procurando forjar futuros profesionales que conozcan y dominen el instrumento. "Xarabal nace con una idea muy concreta, centrarse en la técnica de gaita y en la percusión, no en la iniciación". Esto se traducía en que todos los integrantes de la banda ya tenían una trayectoria y unos conocimientos previos que se iban perfeccionando en conjunto. "En aquellos tiempos era necesario incidir más en el aspecto técnio que en enseñar nociones básicas de música. De eso ya se encargaban otros grupos".

Entre los numerosos premios y galardones que recibe Antón Corral, hay que destacar: 1º premio "Artesán distinguido" a nivel nacional (Madrid, 1977), 1º premio "Diseño" del Ateneo de Ourense (Ourense, 1983), 1º premio "Gaita de Ouro" del Ateneo de Ferrol (Ferrol,1996), 1º premio "Reconquista de Vigo". (Vigo, 1990), 1º premio de la crítica musical (Círculo Ourensán de Vigo, 2001) o nombrado vigúes distinguido en 2001.

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Programa Alalá dedicado a Antón Corral
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Concierto presentación del Obradoiro-Escola de Instrumentos
Musicais Populares Galegos (año 1988)
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Disco "Instrumentos Musicais Populares Galegos" (1990)
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La cultura contra el olvido

Artículo de Aziza Brahim (cantante saharaui)

Nuestro pueblo ha de desarrollar y conservar su cultura ya que es una de las señas más importantes de nuestra identidad. Sabemos que nuestra cultura se encuentra en unas circunstancias especiales desde hace más de 34 años y está sometida a la censura y el ninguneo del régimen marroquí. Esto afecta, en primer lugar, a una cuestión fundamental: la libertad para crear de los artistas saharauis, tanto en los territorios ocupados como en los campos de refugiados. Nos encontramos condicionados, determinados por estas circunstancias a la hora de cultivar cualquier ámbito de la cultura. ¿Cómo dejarlas de lado a la hora de componer cualquier objeto artístico?

Mucha gente y muchos periodistas me preguntan a menudo, si mi música está al servicio de la causa. A los artistas nos satisface poder ofrecer un mensaje de denuncia de cualquier realidad humana si lo creemos justo, porque podemos influir en los demás al difundir ideas. La realidad de mi pueblo conduce mi manera de crear. Mi música refleja el sufrimiento, los pesares de mi gente. Es necesario denunciar esta situación. No hacerlo sería negar la evidencia. En cambio, tampoco quiero dejar de cantarle al amor o a la naturaleza del desierto del Sáhara Occidental o a otros asuntos que no están directamente afectados por la situación política de nuestro país, porque es algo que también merecemos.

Tengo el orgullo de ser nieta de Ljadra Mint Lmabruk. Mi inspiración más grande, mi abuela, siempre nos trasladó el gusto por la poesía, por las canciones y por el compromiso. Estoy orgullosa de darle continuidad a ese legado lleno de expresión, fundamento y sabiduría. Yo creo que los saharauis la apodamos la “poetisa del fusil” porque es muy explícita cuando hay que exteriorizar el sufrimiento y la rabia de su pueblo. Para mí, es la más grande. Ahora estoy ocupada en poner música a todos sus poemas para que los podamos corear ya que durante la guerra, fueron un himno para todos los saharauis. Son una parte importante de la banda sonora de mi vida ya que, en mi familia, poemas y canciones han brotado siempre de manera natural como parte del día a día, de nuestra vida diaria. Para pasar el rato, hacemos competiciones para ver quién hace la mejor melodía o canción o el mejor baile y convencer al jurado que siempre está formado por mi madre, Rabiaa, y mi abuela, Ljadra, las dos personas que más quiero, mis guías, las personas que me transmitieron su pasión por la música y por la poesía.

Hacer evolucionar una cultura ancestral, que siempre ha sido transmitida durante generaciones por tradición oralmente, en nuestras condiciones no es sencillo. Tenemos otras prioridades. Pero el arte juega un papel muy importante en la construcción y el desarrollo de los pueblos, ya que parte de ellos y va hacia ellos. Son su origen y su destino. De nosotros mismos depende nuestra capacidad de crear y de influir en nuestra propia cultura. Estoy muy contenta de aportar fusión a la cultura de mi país. Nuestra música tradicional es muy rica en matices y casa perfectamente con otras músicas que le aportan (y a las que aporta) modernidad e interculturalidad.

La historia reciente nos ha enseñado que un pueblo puede malvivir resistiendo, incluso desposeído de sus territorios, pero nunca podría hacerlo sin sus propias manifestaciones artisticas. La cultura en todos sus ámbitos es esencial en la historia de cualquier nación. Si miramos a nuestro alrededor, podemos comprobar cómo a muchos de los países de nuestro continente se les conoce en todo el mundo por su música. Así que nosotros hemos de salvaguardar, modernizar, difundir nuestra cultura de manera individual y colectiva ya que es el arma más poderosa que tenemos hoy en día los saharauis para que nuestro pueblo no caiga en el olvido ya que demuestra nuestra existencia y nuestra resistencia, que estamos vivos y seguimos creando.

PRÓXIMOS CONCIERTOS DE AZIZA BRAHIM EN ESPAÑA

• 18/06/2010- Aziza Brahim & Oreka Tx- San Sebastián,Donostia
• 3/07/2010- Aziza Brahim & Oreka Tx -Sestao
• 16/07/2010-Aziza Brahim & Gulili mankoo-Festival Musikaire,Elorrio
• 28/07/2010- Aziza Brahim & Oreka Tx- Zamora,España
• 4/08/2010- Aziza Brahim & Oreka Tx- Nestor Basterretxea Aretoa, Bermeos Vizcaya
• 8/08/2010- Aziza Brahim & Oreka Tx-Aia Ko Jaiak, Aia Gipúzcoa
• 20/08/2010- Aziza Brahim & Oreka Tx- Folk Plasencia,Cáceres

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Sesiones

Una sesión es una reunión de músicos que no tiene por qué ser un grupo musical formado, simplemente un grupo de amigos que se reúne para tocar temas que todos conocen y disfrutar con la música. Este post presenta un resumen de consejos que no se deberían olvidar a la hora de realizar una sesión.

PARA MÚSICOS

Si no conoces la melodía de un tema, en principio no debes tocarlo.

Cuando se escucha un tema por primera vez no se debe tocar encima, basicamente porque no se puede saber por dónde van los tiros. En el caso de instrumentos de melodía esto no suele hacer falta decirlo, pero es importante en el caso del acompañamiento. A pesar de que tanto las cuerdas como la percusión es posible que puedan hacer un apaño sobre la marcha, vale más escuchar y actuar sobre seguro.

Si un músico no es capaz de tararear la melodía, no debe tocarla.
En el momento en que la conozca lo suficiente como para tararearla ya tiene el camino libre. Esto es especialmente aplicable a los percusionistas y a los guitarristas/bouzoukistas.

Se aprende un montón simplemente escuchando a otros tocar.
Si pretendes asistir regularmente a la misma sesión, vete un par de veces por allí simplemente a escuchar primero.

Si empiezas un tema que casi nadie conoce, continúa con uno conocido.
Si la persona que empieza un set se da cuenta de que casi nadie conoce el tema que está tocando, conviene continuar con un tema conocido. De esta forma se invita a todo el mundo a tocar y se hace ver que se tiene a los demás en cuenta. El interludio entre sets es una oportunidad importante para la conversación, y para aprender el nombre de los temas y su fuente. Es de mala educación que el músico desconocido interrumpa este ritual para interpretar un solo. Sin embargo, cuando se tocan solos (especialmente canciones), se aprecia el silencio.

Hay que intentar que participen todos presentes y no dejar a nadie de lado.
Por eso no conviene que nadie sea el protagonista de continuo. Hay que tratar de buscar temas que pueda tocar todo el mundo o al menos la mayoría. Siempre hay momentos para los solos, pero son los menos. Si nos encontramos en muchos momentos con que sólo hay una o dos personas tocando, algo falla. En las sesiones es esencial pensar en el conjunto y no en uno mismo.

No se acelera ni se retrasa el tempo.
La persona que empieza el set marca la velocidad. Normalmente se tocan los temas tres veces. Aunque puede haber excepciones, especialmente en temas largos.

Vale más tocar un tema despacio y bien que rápido y a trompicones.
Normalmente no se mezclan diferentes tipos de temas en un mismo set. Cada oveja con su pareja. Si alguien trata de afinar entre set y set, se procura esperar a que termine antes de empezar de nuevo todos a tocar.

No se deben manipular los instrumentos de los demás sin pedir permiso antes. Algunos valen mucho dinero y/o tienen mucho valor sentimental.

PARA ESPECTADORES

Una sesión no es un concierto.
No es obligatorio aplaudir cuando termina un set. Si hay aplausos, suelen ser breves. Las personas que están tocando no esperan aplausos. Están ahí porque les gusta tocar, así que no se van a enfadar ni a desilusionar si no los hay. Sin embargo, son comunes los pequeños gritos en los cambios de tema.

No hace falta guardar un silencio sepulcral.
Conviene no dar gritos y tratar de no molestar, pero nadie prohibe conversar con los amigos de manera normal. Sí que se agradece silencio en los sólos o en las canciones (temas cantados).

Si no vas a tocar no te sientes en el círculo de músicos.
Puedes estar ocupando un sitio que podría aprovechar otro que sí que quiere tocar.

No hagas peticiones.
Los músicos tocan los temas que les gustan y tienden a estar hasta las narices de La Danza del Oso y la Muñeira de Lugo. Disfruta de la música. No hagas preguntas a los músicos mientras están tocando. No cuesta nada esperar a que termine el set. Es especialmente ridículo pedir "Ahora unos temas irlandeses", "Venga, unos temas rápidos". No se si será algo local, pero el 90% de las veces que he oido frases de ese tipo es justo al final de un set que es exactamente lo que se "quiere" escuchar. Básicamente, demuestra que el que lo dice no sabe de lo que habla y que su petición no tiene sentido.

Si estás borracho, procura alejarte de la sesión.
Aunque la verdad es que si estás borracho es probable que no recuerdes haber leido esto.

LOS INSTRUMENTOS

No vale todo, desgraciadamente.
Cualquier cosa que pueda ahogar el sonido de los demás instrumentos debe ser tocada con mucha delicadeza o desterrada de la sesión sin más miramientos. Otros instrumentos, por su naturaleza, conviene que no estén presentes en un número mayor a uno o dos.

Violines, flautas, whistles y similares
Son el alma de las sesiones. Normalmente cuantos más, mejor (siempre que estén todos bien afinados). Incluimos aquí también la voz solista para canciones. No sólo de instrumentales vive el músico tradicional.

Gaitas
En general, EVÍTENSE. Exceptuando la gaita irlandesa, la pequeña escocesa y la de Northumbria, el volumen del resto no permite que el resto de los músicos disfrute de la sesión.

Acordeón
Normalmente no hay ningún problema, siempre que el que lo toca sea discreto con el volumen. En algunos casos pueden llegar a alcanzar volumenes bastante altos, pero no es nada que no se pueda controlar si el que lo toca tiene un mínimo de sentido común. La concertina no da problemas.

Guitarra, bouzouki y similares
El acompañamiento siempre es bienvenido en una sesión, pero a ser posible no más de dos personas. Acompañar una sesión es mucho más libre que tocar melodía y es mucho más difícil conseguir que más de dos personas se pongan de acuerdo en tocar cosas parecidas. Lo ideal es un músico sólo o dos que se complementen decentemente. De ahí para arriba conviene ir turnándose. Tampoco está mal que los instrumentos de acompañamiento traten de tocar melodía de vez en cuando. En esta categoría podemos meter también al contrabajo o similares, que se deben de adaptar a los otros (o ellos a él) previo acuerdo.

Banjo
Un elemento muy peligroso por el gran volumen que puede tener. En manos de gente discreta no hay problemas. En manos de otros tenemos un revientasesiones en potencia.

Mandolina
El caso contrario al banjo. Normalmente se oyen demasiado poco y tienden a contribuir poco a la sesión. No plantean problema, simplemente tienden a pasar desapercibidas.

Bodhran
El peligro por naturaleza. Uno (o a lo más dos) tocados decentemente y de manera discreta le dan una dimensión adiccional a la sesión. En más cantidad o menos habilidad, acaban con ellas. Mismas guias que la guitarra.

Otras percusiones
En principio, evitar. Recordemos que las panderetas tienden a sonar demasiado alto, los djembes y darbukas suelen llegar acompañados de una persona que no conoce los temas que se tocan y que las sillas y las mesas no son intrumentos musicales.

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La nueva Cristina

La gaiteira orensana Cristina Pato se ha reinventado como profesora de ópera en Estados Unidos y trabaja en fusionar la música clásica y el folk gallego. Ahora, Cristina ha renunciado al pelo verde: ni rastro de estética punk y se muestra como la serena pianista, doctora en Musical Arts por la Rutgers University, profesora adjunta de interpretación operística en la Universidad de New Jersey.

Hace cinco años, con una fulgurante carrera internacional como gaiteira, asumió el reto de irse a Nueva York. Buscaba más: un doctorado en piano. Y acabó haciéndose otra pero también la misma: enganchada al estrés, a la competitividad y al arrojo. "Es que si me dejo no hago nada; yo soy así por naturaleza: o todo o nada y prefiero que no salga el lado vago", justifica su apuesta por el todo, ese atracón de disciplina, el puro esfuerzo que le permite mantenerse en los primeros niveles profesionales de dos carreras paralelas, casi contradictorias, en la música clásica y en la folclórica. Aunque ahora es la sobria profesora y pianista la que asoma en la cafetería del casco vello orensano, a unos metros del domicilio familiar: el pelo oscuro y lacio recogido en una coleta, una discreta blusa camisera azul cielo, tacones y pendientes de perlas flotando por la austeridad de su cuello.

Lleva apenas una semana de descanso tras 15 conciertos en cuatro meses, los que pasa al año fuera de Estados Unidos. Y para que no le salga el lado vago ha preparado mientras su próximo disco con la gaita. "El cuarto, aunque para mí es el primero, porque será el primero en el que controlaré todo lo que pasa, el primero de la nueva Cristina". "Saqué Tolemia [su verdadero primer disco] con 18 años y es muy difícil controlar lo que pasa a tu alrededor a esa edad; ahora soy más consciente, no hay cifras de ventas que cumplir, no hay presión y eso te da mucha seguridad". Y sigue apostando al todo: "Mi compañía, Fonomusic, quebró cuando me marchaba a Nueva York y ahí vi la oportunidad de reinventarme". Y reinventándose, e incluso marchándose de España, siguió con Zouma Records, el sello orensano creado por Juan Carlos Fernández Fasero, su mánager y ahora director de Agadic, para producir su primer disco con el también orensano grupo Mutenrohi, cuando no había quien lo hiciera.

La pianista gaiteira o la gaiteira pianista habla de sus instrumentos: "La gaita me da acceso a un público que el piano no tiene y al dedicarme a la música desde tan pequeña es muy bonito poder seguir dos carreras paralelas". En Nueva York trabaja con compositores de música clásica contemporánea como el argentino Osvaldo Golijov (autor de bandas sonoras para Coppola). El compositor fue a dar una clase magistral hace cinco años a su universidad y la renacida Cristina acabó trabajando con él en una obra para gaita, violonchelo y orquesta que estrenaron con la Chicago Sinphony Hall.Así fue como empezó lo que ella no esperaba: la fusión de la gaita con la música clásica en Estados Unidos. "El colmo de la rareza".

Once años después de sus comienzos con el pelo verde, la sobria doctora Pato le indica a la gaita que evolucione. Que vaya más allá de la música popular. "En el mundo de la música gallega tiene que pasar lo mismo que en la clásica: que haya un circuito que conserve la música tradicional y otro para los que nos dedicamos a llevar el instrumento hacia otras partes".

Ya nada es como cuando empezó. Ni siquiera ella misma. "Parece mentira que en Nueva York haya encontrado la calma suficiente para reinventarme. ¡Es increíble cómo cambió todo en 5 años! Yo me fui pese a que me decían que era una locura. Podía salir mal o salir bien, pero di el paso y al menos en lo personal me ha salido bien". Aunque matiza que Galicia también evoluciona. "Galicia evoluciona a su ritmo, que es ese ritmo especial que le marcamos los gallegos y que creo que es de acuerdo con el proceso natural de la tierra; el de las cosechas". Y desde su perspectiva americana habla del "paradigma de la calidad de vida" que hay en Galicia: "Eso permite que por aquí todo el mundo se pueda dedicar a sus cosas".

- Pero usted tuvo que irse, primero a Barcelona, para hacer una carrera musical.

- Sí, claro, eso es lo complicado. Que va despacio y todo depende mucho de instituciones.

Cristina Huete
Vía: El País.

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Taller de Etnosonidos en la Universidad Menendez Pelayo de Cantabria

"Ha sido la llegada de los chavales, que se han adueñado de la situación, quienes han dado la energía definitiva a esa música"

La música tradicional, la que cantaban y bailaban los abuelos en las fiestas del pueblo, vuelve a estar de moda. Los jóvenes se han apuntado al fenómeno folk y gracias a ellos estas músicas se están adueñando de espacios de ocio, también en el entorno urbano. Proliferan las escuelas de música tradicional y también los festivales, donde se bebe (sobre todo vino), se come (comida del lugar) y se canta (canciones que ya suenan) mientras se renuevan las viejas tonadas.

Manuel Luna, antropólogo musical, es testigo, parte de este fenómeno y ha dirigido el curso Etnosonidos en España. Territorio, rito y organización social de las músicas de raíz en el Estado español en la Universidad Menéndez Pelayo de Santander: "Hay un gran ascenso social de estas tradiciones, que comenzó en la transición y ahora ve sus frutos. Además, ya no son cosa de anticuario, sino de gente joven, creo que es una oferta de ocio para el tercer milenio importante".

Las gaitas, las panderetas, los acordeones diatónicos y los tambores son parte del acervo cultural de los últimos siglos y sus composiciones reflejan el carácter de los pueblos y sus formas de vida. Ahora, han resurgido como seña de identidad, de reivindicación de lo propio y, también en parte, política. "Como también lo es social e identitaria, porque a veces se ha tendido a uniformizarnos", explica el etnógrafo Luis Martín, del Nuevo Mester de Juglaría de Segovia. Luna, sin embargo, cree que no se trata tanto de una nueva "canción protesta", sino más bien del resultado de una glocalización, "que mezcla lo universal y local".

Con política de por medio o no, lo cierto es que lo tradicional llena cada vez más festivales, encuentros y academias. A su juicio, Galicia y Cataluña son las dos comunidades que, profesionalmente, más despuntan en las músicas de raíz. No obstante, el fenómeno es generalizado; en el portal de Internet TierraFolk se registran 29 festivales que abarcan casi todas las comunidades autónomas: el Tradicionarius en Barcelona (enero), Pirineos Sur en Huesca (julio), el de Ortigueira en A Coruña (julio), Folksticio en Madrid (junio), Folk Plasencia en Cáceres (agosto) o Folk Pozoblanco en Córdoba (julio). "Ha sido la llegada de los chavales, que se han adueñado de la situación, quienes han dado la energía definitiva a esa música", asegura un entusiasta Luna.

Alejandro, de 17 años, toca en la Banda de Gaitas Cantabria desde hace ocho. "En el pueblo de mi padre había gaiteros antaño y mi abuelo y mi tía son cantadores de tonada montañesa", explica. Aunque le encanta la gaita, es escéptico sobre la posibilidad de dedicarse profesionalmente a ello. "Prefiero estudiar", zanja. El lamento llega si se habla de vender discos: "Es difícil que se vendan muchos discos porque no estamos en ningún lado. No sonamos en la radio, no existimos. El sistema no prevé nuestra presencia", añade Luna.

El origen de estas músicas es muy diverso, pero la mayoría tiene en común su manipulación durante los años del franquismo por la sección femenina de la Falange, que recuperó muchas de estas músicas a través de la sección de Coros y Danzas. Gracias a ellas no se perdieron algunas de estas músicas, afirman los expertos, pero otras muchas fueron "edulcoradas y manoseadas", afirma Luna. "Las faldas se alargaron", explica Elena Ortiz, etnóloga de La Rioja: "La sección femenina enmarañó las cosas, se coreografiaron danzas que tradicionalmente no se bailaban y se feminizaron otras que sólo eran de hombres". Martín sitúa el mayor problema del paso de estas músicas por el filtro falangista a la retención de información que, según él, no ha visto la luz desde el fin de la dictadura. "Recogieron mucho material que sigue en manos de poca gente, parte de él está en los archivos del movimiento y, aunque no voy a decir nombres, sé que hay gente que los tiene en su casa", afirma contundente Martín.

El objetivo es recopilar estos sonidos tradicionales para ofrecerlos, porque se sabe que cuando se escuchan tienen éxito garantizado. "Si no le gusta más a los jóvenes es porque no lo conocen, los jóvenes están dispuestos a la tradición, pero tienen que tenerla al alcance y para eso es necesario un impulso de las instituciones", dice Ortiz.

Fuente: Cristina Castro (El País)

Nuevos valores del timple

En el siguiente artículo presentamos a cinco intérpretes de timple canario que están pegando bastante fuerte. Ellos son Belsech Rodríguez, Gabriel García Rodríguez, Yone Rodríguez, Germán López y José Rodríguez.

Belsech Rodríguez
25 años

El abuelo de Belsech le regaló por su 12 cumpleaños un timple y desde entonces no se ha separado de él. La diversidad y el carácter innovador de su propuesta musical le sirvieron para proclamarse en el año 2000 uno de los timplistas ganadores del Certamen Juventud y Cultura convocado por el Gobierno de Canarias. En marzo de 2004 el Instituto Nacional de la Juventud (INJUVE) lo seleccionó entre todo el territorio nacional como uno de los músicos que participaría en los prestigiosos Circuitos de Música INJUVE 2004 en la modalidad de folk. Ha compartido escenario con artistas de la talla de Mercedes Peón, Chambao, Capercaillie, Taray, Nubeira, El Bicho, Thalweg, La Volée D’Castors, Touré Kunda o Ibon Koteron, y participado en muestras tan importantes como el Festival de Fol. de Cartagena, la muestra de Música Folk de Segovia o el XX Festival de Folk Internacional de Getxo.

Gabriel García Rodríguez
18 años

No le gusta a Gabriel, y al respecto de su futuro en la música, hacerse conjeturas ni suposiciones, o discurrir fantásticamente y dar por cierto y seguro lo que no lo es. Tampoco anhela persistentemente algo. Para él, no hay musas que valgan. Se lo curra. Y trabaja muy duro para un día, el que toque y cuando llegue, aplicarse vivamente en la docencia musical. Con el timple, y de la mano de Francis Perera, comenzó su rodaje musical cuando contaba siete años de edad. Varios y distintos son los escenarios y soportes que hasta hoy han posibilitado que Gabriel pueda ofrecer y compartir su música. El plató de Archipiélago Televisión durante la Navidad de 2002. En Tenderete, donde en 2006 estrenó ‘Arángope', su primera composición. Su música también ha sonado en los espectáculos músico-literarios de un programa de gran audiencia en la Radio Gallega.

Yone Rodríguez
21 años

A la edad de 7 años se inicia en el timple de la mano de Rafael García. Posteriormente empieza sus estudios de solfeo, guitarra y piano en la Escuela de Música de Gáldar. A los 9 años comienza con José Antonio Ramos su formación más recta en el timple y que se prolongará durante varios años. Más tarde será Néstor García quien dirigirá su trabajo y carrera musical introduciéndolo en el mundo del jazz, la improvisación, composición y armonía, compaginando sus clases con José Antonio Ramos y realizando un curso con Domingo Rodríguez el "Colorao". Además del timple ha estudiado 6 años de solfeo, 7 de piano, 6 de guitarra clásica, 3 de guitarra moderna y 3 de armonía moderna e improvisación en las escuelas de música de Gáldar y Guía. Con tan sólo 12 años de edad lanzó su primer trabajo discográfico "La otra orilla". Actualmente es miembro de la Timplebanda y se encuentra grabando su segundo CD "Colores.

Germán López
25 años

Germán López es un joven músico de veinticinco años nacido en Gran Canaria. A la edad de siete años, ingresa en el Conservatorio Superior de música de Las Palmas de Gran Canaria, donde cursará las especialidades de piano y solfeo, adquiriendo la titulación Superior en esta última en el año 2001. Esta formación clásica se ha visto complementada con cursos de timple junto a Domingo Rodríguez “el Colorao”, talleres de armonía moderna, improvisación, etc. En 2005 participa en la grabación de un tema propio para un nuevo disco de Jose Antonio Ramos; ha sido seleccionado para los Circuitos de la Música INJUVE, además de grabar junto a Miguel Afonso en su disco “Arrecife Vive”. A finales de 2007 la organización de WOMAD se fija en el joven músico para formar parte del cartel de la edición de ese año que se celebra en Las Palmas de Gran Canaria. En 2008 continúa su periplo por las islas y da el salto definitivo a la península donde participará en eventos tan importantes como la Exposición Internacional de Zaragoza o el Mercat de la Musica Viva de Vic.

Jose Rodríguez
24 años

José Rodríguez Benítez nace en Telde (1985) en el seno de una familia humilde y, como no, con claros tintes musicales. Descendiente directo de tocadores, pronto inicia lo que, a posterior, sería una carrera plagada de proyectos y caracterizada por la superación diaria basada en el esfuerzo y brío cotidiano. Aunque en primer lugar se interesa por la guitarra, siempre estuvo interesado por el timple y es a partir del año 2006 cuando su relación con el timple se estrecha aún más, si cabe, gracias a su paso por el Conservatorio, lo que hace que su interés por dicho instrumento aumente. Ya en el 2007 se une a Gonzalo Macias, joven guitarrista de Telde que también estudia en el Conservatorio, y deciden comenzar una nueva andadura (Timple y Guitarra) y entrar de lleno en el plano musical de la isla, y porque no, del archipiélago canario.

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Terrafolk - Eugenesia musical

Los que tuvimos la suerte de presenciar el concierto del año pasado por estas fechas en los jardines del Museo Guayasamin-Casa Pedrilla (Cáceres) podemos dar fe de lo que es un concierto de la banda eslovena de Terrafolk. Yo hasta ese momento no había tenido la suerte de haberlos escuchado, y ese día salí como si hubiera visto al asesino de Kennedy o el milagro de Fátima.

Con la formación actual – que difiere bastante de la inicial –Bojan Cvetreznik, al violín y a la mandolina, Danijel Cerne en la guitarra, Marko Hatlak al acordeón y batería y Kate Hosking al bajo y como vocalista, desarrollaron ampliamente el repertorio, no sin peculiaridades, y le dieron un curioso toque de metal, que unió por igual a jóvenes y viejos en la emoción por la música. Por ese espíritu creo necesario que aparezca por aquí este gran grupo, que desde un estilo ciertamente minoritario mueve a la gente como si de música más accesible se tratara.

¿Y por qué cuento esto? Por que la mayoría de discos de la banda – como es el caso del que nos ocupa, StereoFolk Live, de 2001 – publica sus álbumes casi siempre en directo, en palabras de su líder, el violinista Bojan CV ”Somos mucho mejor en directo que en el estudio, por eso nuestras actuaciones siempre están llenas” En este trabajo se destaca por encima de todo, bajo mi punto de vista, la frescura y juventud en el sonido, casi arrogante, embriagador (recuerdo el primer día que lo pude escuchar…¿10 veces seguidas? por ahí) la naturalidad en las improvisaciones y en la mezcla de los diversos estilos que aporta cada uno de los miembros del grupo, pues se denota que hay diversas influencias que confluyen en un mismo proyecto final: hay tintes de música klezmer, irlandesa, rock y clásica casi en cada uno de los temas, como muestran Irish Mix Gombach o XX Miglia Country, Irish, Ethno Blues. Por encima de todo en el disco se destacan dos piezas la nº 1 y la nº 4, versiones de los clásicos klezmer Happy Nigun y Odessa Bulgar, que son una autentica maravilla en la conjunción del plano sonoro folkie, gracias sobre todo al virtuosismo del clarinetista, entonces en la formación, Bostjan Gombach. Su sonido, además de una nitidez y control absoluto, como se puede mostrar en Djelem, Djelem, otro clásico, desarrolla a los más altos niveles el sonido característico de los más grandes solistas de clarinete de dicho estilo: Giora Feidman, David Krakauer, etc. No solo se queda ahí, sino que despliega sus cualidades como músico en diversas facetas, tanto como vocalista en Podmoskovskije Vechera o Turkish Impro League, versionando con el wisthle la popular melodía escocesa Scarborough Fair , o en Duck Fight Tarantella, donde deja ver las influencias de la música irlandesa, haciendo un guiño a ese estilo, pero mediante esta popular melodía de origen no precisamente irlandés.

Y es que en la filosofía de Terrafolk juega un papel muy importante este juego de guiños y sentido del humor musical, que haría temblar a los críticos más pomposos y recalcitrantes. Actitud que aporta en mayor medido el violinista y líder de la banda, que mediante una amalgama de recursos técnicos usa el violín como caja de efectos, sin descuidar la parte melódica y acompañante, esencial en el engranaje del, entonces, trío esloveno. También es de reseñar que no solo basan su música en su particular visión de los clásicos folk, sino que juegan bajo la frágil estructura de medley con la mezcla entre influencias, standars clásicos y creaciones propias – esto último, en mayor proporción por parte del guitarrista – dando lugar a collages sonoros, véase incluyendo temas completos únicamente de propia creación, como N’taka (luego incluido en el disco homónimo, publicado en 2004 y uno de sus pocos grabados en estudio).

Se puede decir que Terrafolk es una banda obligatoria para ver en directo, pero de momento podemos conformarnos con que sigan publicando álbumes en vivo y evocar ese espíritu hasta poderlos ver de nuevo por nuestras tierras, quizás con suerte, ¿en el Festival Internacional de Folk de Plasencia? ;-)

Javier Jiménez Rolo

TERRAFOLK
Stereo Folk Live (2001)

01. Happy Nigun
02. Djlem, djlem
03. Duck fight
04. Odessa Bulgar
05. Podmoskovskije Vechera
06. Turkish impro league
07. Irix mix Gombach
08. N'Taka
09. XX Miglia Country, Irish, Ethno Blues
10. Audience
11. Scarborough Fair

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Anxo Pintos

Con una madre que cantaba ópera y zarzuela y un padre que también se dedicaba a la música y el baile tradicional como aficionado, Anxo Pintos tenía muchas papeletas para que la música se fuese introduciendo en su vida hasta hacerse con ella por completo, como también le pasó a sus hermanos, Silvia Superstar (Killer Barbies) y Gael Pintos. A los 8 años empezó a recibir sus primeras clases. El órgano de dos pedales fue su primer instrumento y poco a poco fue añadiendo artefactos sonoros a su aprendizaje hasta convertirse, en la actualidad, en un hombre orquesta al que pocos instrumentos se le resisten. Y no ha terminado de aprender. Curiosamente, él sigue el proceso inverso al de la mayoría de los mortales. La guitarra, que es el típico instrumento con el que miles de niños se inician, es justamente el que está ahora aprendiendo a tocar.

Además de compartir la música con el público, el componente de Berrogüetto, formación que ahora compagina con el trío Lizgairo junto a Rodrigo Romaní y Xosé Liz, también comparte sus saberes dedicándose a la docencia en la E-Trad.

La escuela municipal escindida de la de Artes e Oficios, aunque se ubica en la misma sede, es un centro independiente que se ha especializado. Según explica, «la Consejería de Educación vio la oportunidad de potenciar y dar una dimensión más grande al departamento de música tradicional y estamos muy agradecidos, porque nos ha permitido hacer un plan de estudios ambicioso. Ahora en E-Trad no se aprende únicamente una especialidad instrumental como la zanfona o el arpa, sino que además se dispone de toda una serie de asignaturas complementarias que permiten al alumno salir formado como un profesional de la música tradicional. ». La E-Trad, además, ofrece dos ciclos diferentes, uno aficionado, de dos años, y el profesional, en el que los alumnos salen preparados también como maestros.

Por deformación profesional, en su casa acumula numerosos aparatos musicales. «No soy un coleccionista, lo que pasa es que al final acabas juntándote con un montón de rarezas, instrumentos, libros, métodos, partituras y muchos CD's que normalmente no se encuentran enlas estanterías de la mayor parte de las casas».

Piezas artesanales

Además de sus violines y saxos, Pintos siente especial admiración por la zanfona. Tiene dos piezas artesanales, una gallega firmada por el vigués Xaime Rivas que cuida desde 1991 y una espectacular zanfonña de color azul eléctrico de Carlos do Viso, pero la familia está a punto de crecer: «En menos de un mes tendré otra que está construyendo el artesano de Marín, Xaime Rebollo. Se trata de un modelo ultrareducido para poder llevarla conmigo en la cabina de los aviones, que es algo que siempre me causa problemas», cuenta. Según explica Pintos, las zanfonas contemporáneas «tienen un sonido ligeramente más duro y agresivo que las gallegas, lo que permiten tocar junto con una gaita sin tener que amplificar el sonido».

Además de atesorar sus zanfonas, el intérprete y compositor vigués almacena decenas de punteros de gaita. «La mayoría fueron hechos por el artenaso de O Rosal, Alfonso Castro. Cuando hace algún prototipo nuevo me lo pasa para que lo pruebe. Es fundamental que haya esa colaboración para los constructores puedan mejorar su trabajo». Y junto a los punteros conviven flautas. Algunas exóticas, como un duduk que le compró a Djivan Gasparian, el ilustre flautista armenio. «Cuando viajo siempre aprovecho para comprar instrumentos, debido a que prefiero tener trato directamente con los artesanos en lugar de comprar en tiendas», asegura.

El camino del folk

Pintos se decantó por los caminos del folk en la adolescencia, cuando descubrió el mundo que se le abría en el Obradoiro de Gaitas e Zanfonas que dirigía Antón Corral en la Escola de Artes e Oficios. «Tuve mucha suerte porque por allí pasaron muchos músicos y artesanos que fueron permitiendo a todos tener una visión en conjunto de lo que teníamos aquí y de lo que se estaba haciendo fuera, lo que fue enormemente enriquecedor», asegura. Allí, Anxo Pintos coincidió con Carlos Núñez. «Yo empezé con 14 años y él con 11. De alguna manera fuimos creciendo juntos», recuerda. De hecho, juntos integraron en 1989 con Santiago Cribeiro y Pancho Álvarez el que fue el primer grupo de ambos, Matto Congrio, una banda que fue el gérmen de unas cuantas fructíferas carreras en un incipiente panorama folk en Galicia. «Hicimos en el 91 un único disco, a lo grande en Dublín, en el estudio donde grababa U2, nos gastamos una pasta que no teníamos y tuvimos que pedir un crédito». A finales del 94 se disolvieron y poco después nació Berrogüetto, en la primavera del 95. «Empezamos con tanto furor que a los seis meses ya estábamos tocando un repertorio totalmente nuevo. De los primeros quedamos Cribeiro, Isaac Palacín y yo», cuenta. El grupo lleva cuatro discos editados y están a punto de publicar el quinto, que grabarán después de presentarlo en directo este verano.

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Una mirada a la música brasileña

Texto: Carlos Núñez

Vengo de pasar un año recorriendo Brasil grabando mi nuevo disco. Se lanzará la próxima semana y se llamará Alborada de Brasil en homenaje a unas proféticas palabras que dejó escritas mi abuelo. Su padre, mi bisabuelo, José María Núñez, emigró allí a principios del siglo XX desde A Mezquita (Ourense) y desapareció. Siempre me dijeron que lo mataron por celos profesionales. Él era músico, como yo, y siempre sospeché lo que las pistas estan confirmando: que, en realidad, como muchos gallegos, inició un nueva vida en el Nuevo Mundo.

Pero esto no es lo más importante de la historia. El asunto es que esta fructífera exploración musical se acabó por convertir en un auténtico viaje iniciático en el que aprendí una gran cantidad de cosas que atañan a Galicia. Estas son las que me gustaría compartir con todos vosotros en esta serie de artículos que comienzo, esperando que todo lo que aprendí por Brasil sirva a más gente.

Donde pervive el alma de la gaita

Brasil siempre ha sido para los gallegos una patria secreta donde desaparecer. En Brasil hablan la lengua más parecida al gallego que existe, si no es la misma... En el Brasil sigue viva el alma de la gaita, transmutada en otros instrumentos. Allí, la cultura de las cantigas medievales gallego-portuguesas, nuestros instrumentos musicales casi desaparecidos, nuestras tradiciones... se mezclaron y se hicieron universales. En Brasil vive nuestro pasado y quien sabe si nuestro futuro.

Allí nos encontramos nuestra deseada síntesis entre la cultura urbana y la rural. En Brasil, las olas del mar, la alborada, las noches de luna resplandeciente, las estrellas, las estrellas de San Juán, las sirenas, las brujas y el sirimiri, por no hablar de nuestros diminutivos... gozan del glamour de lo artísticamente universal. Dicho con otras palabras: en Brasil vive una "Galicia cool". Imaginaos la cara que pusieron la gente de Sony cuando les conté todo esto mientras escuchábamos el disco: "¡Vaya con estos gallegos! Ahora van y crean la música gallego-brasileña!".

El caso es que vuelvo a casa convencido de que nuestra relación con Brasil puede ser clave para Galicia en su continua reinvención de país y, por que no decirlo, en la creación de nuevos mercados. Se que está todo por hacer, pero pienso que podríamos estar delante de una nueva conexión artística tan potente como fue la música celta, con la que de alguna manera conseguimos, desde mediados de los años noventa, poner a Galicia en el mapa para mucha gente.

En la serie de entrevistas que realizamos para el documental que se estaba haciendo de forma paralela al disco, Ramón Villares, presidente del Consejo de la Cultura Gallega, ya nos avisó: "Brasil es una gran apuesta, no sólo económica, sino también cultural". Mi amigo Manuel Bragado, director de Xerais, lo resumió en tres palabras: "Brasil somos nosotros". Hace poco tiempo, Juan Luis Cebrián fue mucho más allá y dijo que "Galicia tiene la suerte de ser la tierra de las cantigas y puede ser el puente de España y Europa con Brasil".

Sorprende que semejante mina no haya sido explorada ya por Galicia. Brasil no forma parte del conjunto de lugares con los que tenemos afinidad, como pueden ser Argentina, Cuba, Irlanda o Portugal. Hasta ahora nuestra relación con este gigante de ya casi doscientos millones de habitantes se la debemos al tenaz trabajo de nuestros emigrantes, a los no siempre comprendidos reintegracionistas y amantes de la lusofonía y a algún pionero como D. Valentín Paz Andrade, que en los años setenta publicó una guía de la que hablaré en el próximo artículo y que nos descubre un nuevo concepto: "A Galeguidade de Brasil"

Nadie les habló de nosotros

El brasileño de a pie desconoce la existencia de Galicia. No es culpa suya, ya que nunca se lo contaron. Era duro para Portugal reconocer que parte de su cultura viene de una España existente en ese territorio. Incluso ignoran donde está exactamente Santiago de Compostela. En cambio, el Camino les fascina, una prueba es el éxito sin precedentes del escritor Paulo Coelho. Cuando descubren que todo eso viene de ese misterioso país, que no trae emparejado el imperialismo europeo, que tanto causa molestia a los brasileños, entonces se apuntan sin dudarlo... De alguna manera Galicia ayuda a los brasileños a descubrirse a ellos mismos, en una parte de su historia que nunca fue contada.

Nélida, la introductora

Comienza a renacer un orgullo sin precedentes. La gallego-brasileña Nélida Piñón, primera mujer presidenta de la Academia Brasileña de las Letras, en sus apariciones televisivas y en su obra, habla habitualmente de su pequeño país de origen. Se trata de una persona con una inteligencia y energía deslumbrantes. Nélida fue uno de mis introductores en la "jet cultural" de Río de Janeiro. En las élites brasileñas te das cuenta de lo importante que es la música para este país. Todos, absolutamente todos, los escritores, los políticos, los empresarios, los militares...saben de música. Todos tienen sus gustos musicales bien definidos y saben que en el fondo, la música es una de las identidades más fuertes de Brasil, por encima de otras artes. Recordemos a Gilberto Gil como carismático ministro de cultura.

Quizás el único lugar de Brasil donde todos saben qué es un gallego sea Salvador de Bahía . Allí nuestra comunidad es potente y esta muy bien organizada. Carlinhos Brown nos contó que los gallegos fueron los primeros en darle trabajo, en una panadería. Grabar con este genio indomable fue algo más que música, fue una experiencia antropológica. Tener delante a mi tocayo de Candeal examinándote continuamente, como haría cualquier paisano nuestro, me confirmó la teoría que se fue consolidando en Bahía: que entre negros y gallegos hay algo muy profundo que nos une y unos produce una irreprimible atracción. Quizá por eso en Brasil, "galego" significa también 'de color castaño muy claro, tirando a dorado'. Son los opuestos que se atraen.

Los otros grandes centros actuales del "poderío gallego" son Sao Paulo y Río de Janeiro. Allí, es curioso que más que exhibirse, siempre tienden a esconderse misteriosamente... En Brasil, los gallegos aprendieron a organizarse en empresas con varios socios. Raro es encontrar cabezas visibles, con excepciones que bien darían una novela o una película... Los gallegos siempre se camuflaron como portugueses, más que como españoles, o simplemente como brasileños. Este es un país que se come todo, no crea guetos étnicos. Todo ser humano se transforma en un tiempo record en brasileño. Eso mismo fue lo he hizo mi bisabuelo. Es posible que las percepciones de un músico no sean científicas, pero como dijo un tal Leite de Vasconcellos : "Los artistas adivinan muchas veces lo que, por otro lado, los investigadores de historia descubren a costa de una intensa labor cerebral".

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El tango finlandés

“La vida imita el arte mucho más de lo que el arte imita a la vida."

(Oscar Wilde)

El tango se desarrolla en Buenos Aires entre el año 1850 y 1900 como resultado de una mezcla de distintas músicas europeas. Esta primera frase da para escribir varios libros gordos, pero como no es el objetivo de crear polémica sobre el origen europeo o argentino, que realmente me da lo mismo, vamos a hablar hoy de la modalidad finlandesa, mucho más interesante y desconocida.

Aparecida en 1910 como una danza curiosa y exótica, el tango no alcanzó popularidad en Finlandia hasta el final de la década de 1930, época en la que nacieron las primeras composiciones importantes. Algunos historiadores se atreven a decir justo el momento exacto de su creación, allá por 1913 cuando una pareja bailaba en el restaurante Borgs de Helsinki. Esta forma de bailar llamó la atención a un periódico que empezó a incluir artículos sobre el tango e incluso hasta algunas lecciones acerca de cómo bailarlo.

La Segunda Guerra Mundial fue el acontecimiento que sirvió como punto de inflexión de este estilo y el tango empezó a ganar presencia según avanzaba la misma. El duro desarrollo de la guerra se cristalizó en las nuevas composiciones poniendo de manifiesto en las letras la separación entre las personas, a veces para siempre, e intensificando los sentimientos de nostalgia y de soledad.

El mayor exponente de tango finlandés en sus inicios fue sin lugar a dudas Toivo Kärki (1915-1992), uno de los compositores más prolíficos y el que le dió un definitivo carácter finlandés al género. Escribió un gran número de obras durante la guerra, mientras servía en el frente del sur de Karelia, influenciado por las orquestas europeas de tango, principalmente por la holandesa A.Malando y la alemana Gerhardt Winkler. Kärki combinó los romances rusos ejecutados en tonalidadades menores con las harmonías de jazz y con pequeños matices de la habanera. Durante la larga carrera de Kärki las letras de sus composiciones fueron escritas por un gran número de letristas entre las que destacan Kerttu Mustonen (1891-1959) en sus inicios y más tarde Reino Helismaa (1913-1965), cuyas letras llamaron poderosamente su atención y fruto de la colaboración entre ambos, surgieron una serie de tangos que se han convertido en grandes clásicos que nunca pasarán de moda. Canciones como Liljankukka llegaron a lo más profundo del alma de los finlandeses supervivientes de una guerra que había puesto un trágico fin a tantos amores y esperanzas.

Toivo Kärki

El otro gran compositor y, de hecho el más popular fue Unto Mononen (1930-1968), cuya vida acabó trágicamente tras pegarse un tiro en la cabeza. Unto empezó a ser conocido a mediados de los años 50 y nadie ha llegado a alcanzar una calidad similar en sus composiciones, superando en el "sentimiento" de sus obras al propio Kärki. Musicalmente, se decantó por incluir más arpegios y distintas escalas y muchas de sus melodías presentan semejanzas con las estructuras de temas tradicionales fineses. Al contrario que Kärki, Unto escribía también sus propias letras. Sin embargo, las letras de sus tangos más populares fueron escritas por Sauvo Puhtila que, con muchos pseudónimos, ha sido el que más letras ha escrito en toda la historia del tango finlandés.

Unto Mononem

Unto compuso en 1955 el que tal vez sea el tango finlandés más popular de todos los tiempos: Satumaa (el mundo de los sueños). Este tango se hizo tan famoso que hasta propusieron cantarlo en las misas y se ha convertido en el segundo himno nacional del país. El texto habla de la nostalgia por una especie de paraíso perdido al que ahora sólo pueden acceder los pájaros que vuelan sobre el mar. Ya los primeros versos son muy evocadores para cualquier finlandés con cierta edad: "Aavan meren tuolla puolen jossakin on maa, jossa onnen kaukorantaan laineet liplattaa" (Detrás del mar abierto, en algún lugar, hay un país donde las olas acarician la lejana costa de la felicidad).

Satumaa (versión instrumental)
Satumma, cantada por Reijo Taipale (años 60)

Tanto como Kärki como Unto estuvieron presentes en el boom del tango al comienzo de los años 60. Mucha gente en Finlandia reaccionó en contra del nuevo movimiento pop y rock emergente y ocurrió que, mientras los Beatles triunfaban por el resto de Europa, en Finlandia tenían que competir con dureza con las grabaciones de tango para alcanzar el número uno en el Top Ten de

ventas. De hecho, el tango sobrevivió sin ningún problema a Elvis y a los Rolling. El siguiente boom ocurrió a mediados de los años 80. Uno de los más respetados cantantes de tangos, Eino Grön, grabó tres discos con el productor Jaakko Salo(1930-2002), añadiendo un excepcional toque argentino.



La nueva generación de músicos fineses ha tenido la oportunidad de abordar el tango desde una perspectiva mucho más abierta. Las influencias de ritmos más modernos, el gran número de grabaciones y los viajes y visitas por el mundo de intérpretes famosos y el intercambio de experiencias han hecho que los arreglos adquieran un aire distinto y los temas tomen una interpretación global. Como muestra este tema de 1937 de Michel Emer titulado L'Accordéoniste, que cantaba Edith Piaf por los años 50, y que la Tango-Orkesteri Unto ha tenido a bien regrabarlo su propio toque personal:

"Para el finlandés todo es tango. Frank Sinatra es tango, por ejemplo. Y yo creo que eso tiene que ver con que los finlandeses somos muy tímidos. Necesitamos que el cantante diga lo que nosotros no nos animamos a decir. Sacar a una mujer a bailar ya es bastante difícil, así que imaginate el resto. Por suerte está el cantante ahí en el escenario que dice lo que todos callan: “Te amo”. Porque fijate qué curioso: a principio de los cuarenta, los finlandeses éramos sólo 3 millones. Ahora somos 5 millones. ¿Y por qué? Por el tango."

(M.A. Numminen)

Muchas gracias al amigo Hannu Rantannen músico de "Värttina" & "Tango Orchestra Unto" por descubrirme esta música, a Pekka Nissilä de la "Finnish Musician' Magazine" y a Manuel Velasco, autor del libro "Finlandia, Suomi para los amigos". VER POST COMPLETO

Ball de Benás VS Himno de Riego

Cada 30 de junio se baila en honor a San Marcial el llamado Ball de Benás, Ball des Omes o Baile del Mayordomo [2] en el municipio de Benasque (Huesca). Éstos lucen un vistoso ramo en la cabeza y van portando castañuelas. Al ritmo de la música se van sumando todos los hombres de la localidad dando vueltas a la plaza y formando una fila. Al final, se levanta un mayordomo, como señal de triunfo sobre todos. Todo esto sería un ritual habitual que estamos cansados de ver, de una forma u otra en cualquier pueblo de España durante sus fiestas. Lo curioso es que la música que suena durante todo el proceso es el conocido Himno de Riego [1].

[1] Himno de Riego

[2] Ball de Benás

1. EL SIGLO DE LOS HIMNOS

En el siglo XIX es, en España, el siglo de los himnos. Ya en 1808 aparece el Himno de la Victoria, con letra del poeta Arriaza y música de Fernando Sor. En 1809 se impone el titulado Los defensores de la Patria y año tras año se van subrayando los diversos acontecimientos históricos con otros himnos, de los que se recuerdan: A las víctimas del dos de mayo, con letra de Juan Nicasio Gallego y música de Rodríguez Ledesma; A la entrada del Duque de la Victoria a Cádiz; Al pendón morado; Al restablecimiento de la Constitución, etc. Existió también, y fue muy popular, el Trágala, con el que los liberales zaherían a sus adversarios absolutistas y que tomó su nombre del estribillo: “Trágala, trágala, tú servilón” [3] y que ha dado lugar a un sustantivo registrado en el Diccionario de la Real Academia Española. Otro, la Marcha de Cádiz, se convirtió en himno popular durante la guerra de Cuba y no son pocos los que habrán oído el Gloria a España, de Clavé. Entre los himnos regionales, los más difundidos son el Guernikakoarbola, del versolari Iparaguirre, Els Segadors y el himno gallego de Pondal.

[3] El Trágala

Pero de todos estos himnos, nacidos la mayoría de ellos en los azarosos días del absolutismo y por tanto invocaciones a la libertad perdida, el de Riego (Himno a Riego, como escribieron sus autores), es el que ha tenido una mayor fortuna. Tanta, que muy pronto, el 7 de abril de 1822, fue declarado de forma oficiosa himno nacional. Himno que no sólo entonaron los liberales durante la Primera Guerra Carlista y luego los republicanos, sino también el propio Fernando VII, desde uno de los balcones del Palacio Real de Madrid ante una enfervorecida multitud. Es curioso esto último, ya que estuvo prohibido durante la Década Ominosa de Fernando VII y parte del reinado de Isabel II. El himno de Riego, nació cuando el teniente coronel Rafael de Riego se alzó contra el absolutismo de Fernando VII el 1 de enero de 1820 en la localidad de Las Cabezas de San Juan (Sevilla) para instaurar el régimen constitucional (“la Pepa”), probablemente una de las más modernas y liberales en su tiempo.

Rafael de Riego (1785-1823)

2. SOBRE LA LETRA DEL HIMNO

El Himno de Riego nació con letra incorporada, y fue adaptando muchas más a lo largo del tiempo. El primer autor de la letra fue el compañero de Riego y figura relevante a lo largo del siglo XIX, Evaristo San Miguel. Asturiano como Riego, liberal y escritor, tenía como el autor del levantamiento en las Cabezas de San Juan, alma ardiente y un espíritu exaltado.

Esta letra [4] que ha llegado hasta nosotros, se encuentra recogida en el opúsculo que “el ciudadano Mariano Cabreriza dedica al ciudadano Riego y a los valientes que han seguido sus huellas”, donde se recopilan una colección de canciones patrióticas de la época.

"Serenos y alegres, valientes y osados,
cantemos soldados el himno a la lid.
De nuestros acentos el orbe se admire
y en nosotros mire los hijos del Cid.
Soldados la patria nos llama a la lid,
juremos por ella vencer o morir.
El mundo vio nunca más noble osadía,
ni vio nunca un día más grande el valor,
que aquel que, inflamados, nos vimos del fuego
excitar a Riego de Patria el amor.
Soldados la patria nos llama a la lid,
juremos por ella vencer o morir.
La trompa guerrera sus ecos al viento,
horror al sediento, ya ruge el cañón
a Marte, sañudo, la audacia provoca
y el ingenio invoca de nuestra nación.
Soldados la patria nos llama a la lid,
juremos por ella vencer o morir."

Existía otra letra de Alcalá Galiano que decía: “Patriotas guerreros/blandió los aceros”, pero según la maliciosa suposición de este último, a Riego no le gustó este texto porque su nombre no se mencionaba expresamente.

En 1836, se escribió una nueva letra titulada La moderación:

“Que mueran los que claman / por la moderación / para atacar los fueros / de la Constitución”.

Muchos años después, ya en vida de Baroja, un diario donostiarra reprodujo como auténtica la famosa letra anticlerical:

"Si los curas y frailes supieran la paliza que les van a dar, subirían al coro cantando: ¡libertad, libertad, libertad!"

Versión que rápidamente se transformará en otras gracias al pueblo:

"Si los Reyes de España supieran lo poco que van a durar, a la calle sadrían gritando: ¡libertad, libertad, libertad!"

"La Reina vol corona que vingui a Barcelona corona li darem i el coll li tallarem. "

"Si el Rei demana corona corona li donarem que vingui a Barcelona i el coll li tallarem."

"Un hombre estaba cagando y no tenía papel. Pasó el Rey Alfonso XIII y se limpió el culo con él."

"Si los curas y Franco supieran la paliza que van a llevar, a la calle saldrían gritando: ¡libertad, libertad, libertad!"

3. LA MÚSICA DEL HIMNO SEGÚN LOS LIBROS

La mayoría de los historiadores, siguiendo a Mesonero Romanos, da como autor a José María de Reart y Copons, militar heroico que había servido en el ejército español y que perdió una pierna durante la Guerra de la Independencia. Había nacido en Peronan en 1784 y muerto en Madrid en 1857. Parece ser que se sentía asombrado del éxito de su contradanza. Pero se ha atribuido a otros muchos autores. Así, Grimaldi, en la revista El Averiguador, de 1871, la atribuía al profesor Don Manuel Varo, que la compuso en Morón y que era músico mayor de la charanga de la caballería que Riego llevaba en su columna.

Otra atribución de esta popular musiquilla aparece en la Historia de la Revolución española desde la Guerra de la Independencia hasta la Revolución de Sagunto, que dejó inconclusa Blasco Ibáñez. Aquí se dice que el autor musical del Himno fue José Melchor Gomis, músico mayor del regimiento de Barcelona y autor de óperas, que se trasladó a Madrid en 1820 como director de músicos de la Guardia Real. Pero lo cierto es que el tal Gomis fue sencillamente el adaptador del himno para banda. Su autoría, en cambio, está clara en la ópera Riego en Sevilla, que fue repuesta en Barcelona en 1854. Pero no queda ahí la cosa. Adolfo Salazar, en su libro Los grandes compositores, dice que “entre los papeles inéditos de Barbieri se encuentra una carta en la que se da como autor del Himno de Riego a un tal don Antonio Hech, músico mayor del regimiento de Granada”. El señor Hech, de origen suizo y llegado a España durante la Guerra de la Independencia, habría escrito el himno en 1822, por lo cual recibió una recompensa de las cortes que se trocó después en persecuciones.

A pesar de tantos nombres y posibles autores, al final, en la proposición presentada en las Cortes en abril de 1822, para que se declarara oficial el Himno, no se menciona a su autor. El acta dice simplemente que se trata de una marcha verdaderamente española. Tampoco se menciona al compositor en el decreto que lo vuelve a instituir como himno nacional en 1931.

4. EL HIMNO DE RIEGO EN LA SEGUNDA REPÚBLICA

El Himno de Riego fue proclamado himno y marcha oficial de la Segunda República española, a pesar de ciertas resistencias que consideraban su música ramplona y poco adaptada a las circunstancias. En un principio, no estaba pensado que éste fuese el himno oficial ya que la noche del 27 de abril de 1931 se dio a conocer en el Ateneo madrileño una composición con letra de Antonio Machado y música de Óscar Esplá, dos hombres prestigiosos, con el de que fuera declarado, en un principio, himno nacional. Lo interpretaron ante la presencia de Don Manuel Azaña, ateneísta de pro y futuro presidente de la República, la entonces famosa cantante Laura Nieto y la prestigiosa Banda Real del Cuerpo de Alabarderos, ya suprimida y cuyos maestros vestían el clásico esmoquin.

Al día siguiente del estreno, el diario El Sol, de tan destacada influencia, opinó que “si se desecha el actual himno (la Marcha Real) no debe ser aceptado ninguno de los conocidos y propuestos hasta ahora, pues son muy malos. El que ayer ejecutó la Banda de Alabarderos, convertida en una banda republicana, original del maestro Esplá, es una pieza poco inspirada, basada en la operetea El desfile del amor”.

La realidad es que este nuevo himno carecía de esa solemnidad marcial y de esa garra popular y cierta pegadiza sonoridad que debe tener toda composición que aspire a convertirse en himno de una colectividad. Por ello, y gracias a la insistencia de Azaña, el himno de Riego fue proclamado himno de la República española. Fue una elección exclusivamente suya y con ella quiso homenajear a los liberales del siglo XIX. Así, y por dos períodos liberales y progresistas, ha sido el himno de todos los españoles.

“El Himno de Riego –escribió Pío Baroja-, no cuajó en la segunda república porque carecía de relación, exacta o aproximada, con ella. El himno, decía, es callejero y saltarín; la República fue sesuda y jurídica. La República no era heredera de los hijos del liberalismo –Mina, Riego, el Empecinado-, sino más bien obra de los hijos espirituales de Salmerón, Pi y Margall y Ruíz Zorrilla”. El novelista vasco atribuye este fracaso a la letra. Los liberales, escribe, no supieron adaptar las palabras a cada momento histórico y pecaron de académicos o ramplones. Además, esta letra es conocida por muy pocos por lo que llega a sentenciar: “Hay que reconocer que oficialmente y popularmente, no tiene letra”. Es por ello, que la izquierda más radical prefiere La Internacional, que es por lo que sumado al desconocimiento de la letra oficial comienzan a circular distintas versiones populares, algunas ya mencionadas anteriormente.

5. EL BALL DE BENÁS O BALL DES OMES

Con motivo de la festividad de San Marcial, patrón de Benasque (Huesca) cada 30 de Junio se saca al santo de la iglesia y comienza la procesión. Todos los mozos realizan este pasacalles mirando al santo con lo que muchos de ellos van andando de espaldas. Llevan castañuelas con cintas. Los mayordomos adornan la cabeza con unas flores mientras sujetan un clavel con la boca. Por fin llegan a la iglesia y dejan al santo en medio de la plaza.

Comienza el baile conocido como Ball des omes. Primero serán los cuatro mayordomos quienes de uno en uno bailarán frente al santo. Después lo harán los demás en grupos de cuatro iniciándose una fila india que formará un gran corro en torno a la plaza. Se colocan por parejas frente a frente. Sin romper la alineación. Darán dos vueltas en torno a la plaza y, a continuación, los mayordomos salientes buscarán a los que van a ser los mayordomos entrantes y les entregarán el clavel. Se colocarán al principio de la fila. Continuarán bailando. Luego cambia la música a ritmo de vals y realizan un zigzag por la plaza hasta convertirse de nuevo en un círculo que se irá cerrando en espiral. La música va acelerándose. Finalizarán todos alrededor del santo alzando al mayordomo primero. Solo lo bailan los hombres, tanto los casados como los solteros. Antiguamente no solo se bailaba el día de San Marcial, sino que también lo bailaban cuando finalizaba la época de trabajo o cosecha.

En un pasado bastante reciente, los danzantes bailaban al son de una banda de música. Hoy lo hacen acompañados por la gaita de boto, el acordeón y los chiflos, lo que ha supuesto recuperar la tradicional formación musical de montaña.

En cuanto al dance no ofrece complicaciones técnicas. Se puede definir como un baile sencillo pero movido, con saltos, giros y las típicas castañetas. No se ensaya. Este es un saber que se pasa de padres a hijos, como otras muchas tradiciones (por ejemplo, la colocación del ramo de flores en la cabeza de los maiodoms). Los más pequeños pueden aprender unas nociones básicas del ball en la escuela, e incluso bailar su propio “ball de Benás” infantil con motivo de la festividad de San Sebastián (20 de febrero).

La danza del Ball de Benás no tiene letra como el Himno de Riego. Además, el himno tiene una tercera parte que no existía en la danza original. A la pregunta de cual fue antes, los historiadores parecen no ponerse de acuerdo. Unos defienden - y este es el caso de J.A. Llanos Almudévar en su libro “Pequeña Historia d Huesca. Glosas I” – que complació tanto a Riego cuando estuvo en este lugar, que decidió adoptarlo como himno de sus tropas, mientras que otros identifican una pieza de autor, muy musicada y con un esquema rítmico distinto a la música popular, cosa discutible.

Para los habitantes del Altoaragón, la respuesta es indudable: Riego fue sargento en el destacamento de Benasque y aquí se enamoró de esta música.

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